Lentes de Honor: Enrique Meneses – por Eliezer Sánchez

El fotoperiodismo español tiene como mito a Enrique Meneses (Madrid, 1929), una figura de la fotografía española que fue testigo en primera fila de la historia del siglo XX.

Enrique-Meneses-para-Jot-Down-4          Meneses nació en Madrid, pero pasó parte de su infancia en París, vivió la ocupación nazi en Francia y posteriormente se mudo junto a su familia a Portugal. Vivió y estudio en España, pero comenzó una larga trayectoria internacional en Egipto en 1954. La guerra del Canal de Suez fue el inicio, después llegó la independencia de Cuba en Sierra Maestra junto a Fidel Castro y el Che Guevara. Más tarde los Estados Unidos en general y Meneses en particular observaban el ascenso de la lucha por los derechos sociales de Martin Luther King y el encumbramiento y posterior magnicidio de John F. Kennedy.

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Tras esta vorágine de actualidad mundial, Meneses volvió a Madrid, donde creó varias agencias de prensa como Prensa Universal, Delta Press y Fotopress. En TVE llevó a cabo varios proyectos como ‘A toda plana’ o ‘Reporteros’. Radio, prensa, revistas, televisión y libros. La multifunción como estandarte. Meneses murió en Madrid hace apenas dos años, a la edad de 83 años.  010

Meneses contaba con una visión limpia y objetiva de la actualidad, contaba las historias desde la cámara y el bolígrafo con total imparcialidad. Esta característica, tan difícil de encontrar hoy en día nos permitía ver a través de su fotografía esa cercanía que mostraban sus reportajes, en que su lente pasaba por completo desapercibida por los testigos de la historia.

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Una figura como la suya no ha recibido quizá toda la gloria y el reconocimiento que merece, pero quizá él tampoco la quiso nunca. Al menos nos queda toda una vida llena de negativos, carretes, publicaciones e historias, igual de importantes e interesantes que las de otros fotógrafos con mucho más calado social.

Afortunadamente, podemos disfrutar a día de hoy en la Fundación del Canal de Isabel II de una magnífica exposición de su vida y obra ‘Enrique Meneses: La vida de un reportero’ encuadrada en el Festival PhotoEspaña 2015 y comisariada por Chema Conesa. Contiene una cuidada selección de 90 fotografías en blanco y negro con lo mejor de su obra fotográfica. Imprescindible.

Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: Robert Capa – por Eliezer Sánchez

El fotoperiodista entre fotoperiodistas, Robert Capa (Budapest, 1913), llamado originalmente Endre Ernő Friedmann fue y será siempre el maestro del fotoperiodismo. Nacido en Hungría, pronto se mudó a París, huyendo del fascismo en Hungría y recalando en París, donde conoció al amor de su vida, Gerda Taro, fotógrafa alemana con la que compartiría cámara y autoría de muchas de sus fotos. Hecho este poco claro hasta unos años.

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Pero Capa no era un novato en el fotoperiodismo de guerra. A pesar de hacerse mundialmente famoso por su cobertura de la II guerra mundial, Capa inició su andadura en el conflicto español. La guerra civil española supuso el comienzo de una trayectoria estudiada mil veces en las escuelas de fotografía. La capacidad de Capa del “aún más cerca” se plasma de manera genial en su cita célebre: “Si tus fotos no son lo bastante buenas, no estás lo bastante cerca”. Toda una declaración de principios que marcó su estilo fotográfico y que probablemente llevó a su muerte durante en Vietnam en 1954, tras la explosión de una mina. Toda una vida de fotografía condensada en apenas veintidós años de carrera.

url Aparte de los mencionados conflictos, Capa también cubrió en esos apenas 22 años la guerra civil española, la segunda guerra chino-japonesa, la segunda guerra mundial (famosísimas sus fotos del desembarco de Normandía), la guerra árabe-israelí y la primera guerra de Indochina.

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Fue en París en el año 1947 cuando fundó, junto a David Seymour, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y William Vandivert, la agencia Magnum Photos, la gran agencia de fotógrafos y uno de sus legados más valiosos.

Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: Steve Mc Curry – por Eliezer Sánchez

steveUn fotoperiodista obsesivo en cuanto a su trabajo. Ese es Steve McCurry (Pensilvania, 1950), uno de los fotógrafos más reconocidos del mundo, miembro de la agencia Magnum y habitual de las páginas del National Geographic.

Steve se inició en la fotografía tras su paso por los estudios de cinematografía e historia del cine en su estado de origen, Pensilvania. Después, descubrió la fotografía y comenzó trabajando para el ‘Daily Collegian’. Tras eso, el resto es historia…

McCurry es discípulo de Cartier Bresson, de la escuela del momento decisivo, para el que la jornada no vale de nada si no ha conseguido la foto perfecta, tanto si surge en un segundo o a lo largo de una semana. Esa es la clave, según él, del fotógrafo profesional, la obsesión. Él, como muchos, se labró una reputación a través de la guerra, en este caso la de Afganistán de los años 90. Integrándose entre la población local como un camaleón, McCurry consiguió enseñar al mundo suvisión personal del conflicto, reflejada en miles de ojos de niños ‘cazados’ por él.INDIA-10209NF

INDIA-10214Es en esos ojos donde McCurry despliega todo su potencial. Pocos fotógrafos han capturado miradas tan potentes como él, incluso en los lugares más inhóspitos de los países de oriente medio. Y es que, al fin y al cabo, los ojos de un niño nunca mienten, pues la inocencia que refleja McCurry en sus fotos es perturbadora.

Uno de esos inocentes testigos de la barbarie de la guerra fue Sharbat Gula, una niña afgana que le propició fama mundial a través de su portada del National Geographic del año 1985. Años más tarde, McCurry desveló la identidad de la niña y el equipo de la revista realizó el mismo retrato 17 años después del original.bceedb9fc4-stevemccurryafghangirl

Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: Sebastião Salgado – por Eliezer Sánchez

Si hay un referente en cuanto a la relación entre la naturaleza y fotografía, ese es Sebastião Salgado (Aymorés, Brasil, 1944). Sus trabajos infunden y rezuman amor por la naturaleza, sus tierras y sus gentes.

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Salgado comenzó su carrera como economista, trabajando para la Organización Internacional del Café y realizando encargos para el Banco Mundial en África, donde dio sus primeros pasos en la fotografía. Autodidacta de manual, Salgado pronto se dio cuenta de que su verdadera pasión era la fotografía, por lo que abandonó su carrera económica y comenzó a trabajar como fotoperiodista en 1973 para la agencia Sygma en París, además de Gamma. Más tarde en 1979 ingresó en la prestigiosa agencia MAGNUM.Posteriormente, en 1994, Salgado decidió abandonar MAGNUM para, junto a su mujer Lélia Wanick Salgado, crear la agencia Amazonas Images en París, desde la que dedica parte de su tiempo a proyectos ecológicos en su Brasil natal, además de promover su obra por todo el mundo.

url Las obras de Salgado han cubierto conflictos en todo el mundo, con especial hincapié en el duro mundo laboral de los trabajadores más castigados del planeta, plasmado en su obra Workers: Archaeology of the Industrial Age. Entre los mineros de Serra Pelada en Brasil, y los refugiados del Sahel, en África, Salgado muestra una visión delicada del mundo. Capaz de retratar con gran belleza las miserias más grandes del mundo, Salgado ha estado siempre en favor de los desfavorecidos, llegando a ser embajador de buena voluntad de UNICEF desde 2001.

Génesis, Su último trabajo publicado en 2013, recorre los rincones más alejados del mundo y a las personas que viven y han vivido siempre ahí, fuera del contacto con la civilización.

El pasado año 2014, se estrenó un imprescindible documental sobre su vida y obra, La Sal de la Tierra, dirigido por Wim Wenders y el hijo del propio Sebastião, Juliano Ribeiro Salgado.

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Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: Stephen Shore – por Eliezer Sánchez

La paz que transmiten las fotografías de Stephen Shore (Nueva York, 1947) queda plasmada en toda su obra desde los años 60 hasta hoy. Color o blanco y negro, cualquier estilo es bueno para la inexpresividad hecha arte. No obstante, esa inexpresividad, esa postal eterna que crea Shore en cada imagen transporta automáticamente a un mundo de papel pintado, una habitación donde se ha detenido el tiempo. Un uso del color tan brillante y extraño al mismo tiempo caricaturiza a sus retratados llevándolos al esperpento.

maxresdefaultNeoyorquino, precoz y autodidacta, Shore tuvo su primer cuarto oscuro con 6 años. Con un comienzo así, uno no se extraña de que haya pasado por decenas de cámaras y formatos a lo largo de su vida y obra, destilando un estilo único en cada uno de ellos manteniendo una línea inconfundible, referente actual de la fotografía en el still life.

Simples americanos retratados por Shore han sido convertidos en iconos, símbolos de una etapa de un país que ve ahora en Shore su mejor reflejo. Un pionero en el uso del color cuando ‘eso’ era algo moderno, una moda, algo que no tenía que ver con los profesionales. Shore supo hacer del color una herramienta para narrar, contrastes extremos, años 70 y carreteras largas y sinuosas que recorrió a golpe de ‘click’ para obtener una obra estática y bella al mismo tiempo.

Los paisajes, las escenas cotidianas transformadas en maquetas, personas inertes, elementos todos ellos bañados en un color Kodachrome inconfundible que Stephen Shore engulle y plasma ante nuestros ojos para que sepamos apreciar el color como nunca se ha hecho.shore_1

Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: James Nachtwey – por Eliezer Sánchez

De entre todos los fotoperiodistas del mundo, puede que James Nachtwey (Nueva York, 1948), sea el que más empatía ha demostrado en su trabajo. Este hecho queda reflejado de forma muy palpable en el documental War Photographer (Christian Frei, 2001), donde observamos como el fotógrafo se implica, dejando la objetividad a un lado, y decantándose por intervenir en situaciones de conflicto para salvar vidas. NYC22263

Nachtwey se crió en Nueva York, aunque sus primeros trabajos los realizó en Nuevo México en periódicos pequeños. Posteriormente se hizo freelance para trabajar en revistas como TIME, o para agencias como MAGNUM hasta el año 2001, cuando fundó su propia agencia, VII Photo Agency.

Los trabajos más destacados de Nachtwey han sido en conflictos armados como el del I.R.A. en Irlanda del Norte, Sudáfrica, Latinoamérica, Rusia, Europa del Este, la Unión Soviética o Irak.

En el año 1994, Nachtwey , como miembro del Bang Bang Club (serán las próximas lentes de honor en la revista) estaba cubriendo las elecciones de Sudáfrica (las primeras sin apartheid) cuando fue testigo de la muerte de Ken Oosterbroek, en la que Greg Marinovich quedó gravemente herido.

Posteriormente también fue herido en Irak a causa de una granada, y por último de un disparo en la pierna. Nacthwey es siempre testigo directo de la acción, y como fotógrafo de guerra (aunque sea un término rechazado por los profesionales) siempre ha buscado el “aún más cerca”.james-nachtwey-24

Él es el perfecto ejemplo del sacrificio de la profesión, de las dificultades, de la devastación de la guerra y de la crueldad del ser humano y su trayectoria ha sido recompensada en cinco ocasiones con la medalla Robert Capa de fotoperiodismo.

Escrito por Eliezer Sánchez

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Lentes de Honor: Chema Madoz – por Eliezer Sánchez

De la lente de Chema Madoz (Madrid, 1958), pueden surgir las ideas más imaginativas, expresadas de la manera más conceptual. Y aún así todo espectador, conocedor o no de su obra fotográficchema_madoz_5219_635xa e incluso conocedor o no de fotografía en general es capaz de apreciar su belleza.

Madoz usa objetos cotidianos para expresar ideas universales, conceptos que todos conocemos como el tiempo, la libertad o las formas para, a través de su lente transformarlos en iconos de la fotografía.

 

Madoz usa el analógico para dar a sus texturas aún más textura y conseguir una plasticidad en sus obras casi palpable. Sus diferentes trabajos siguen una misma línea: un objeto, varios sentidos, pero lo magistral de Madoz es dejar esa elección al ojo del que disfruta sus obras.

El madrileño es uno de nuestros fotógrafos más internacionales, habiendo expuesto su trabajo en las mejores galerías y museos de todo el globo. En el año 2000 recibe elPremio Nacional de Fotografía confirmando así el éxito de unir esos dos mundos que Madoz recorre a menudo: el real y el imaginario. Esa mezcla perfecta es la que hace que Chema Madoz sea una fábrica de fotografías inolvidables.576_chema_madoz_2004-2

La galería de Elvira González acoge ahora mismo una pequeña muestra de su obra, uno de sus nuevos trabajos donde vuelve a ahondar en los conceptos universales del ser humano con el toque Madoz inconfundible. No se la pierdan por favor.

 

Escrito por Eliezer Sánchez

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